KORG POLYSIX ... perdido en el tiempo.

El Korg Polysix (1981) es un sintetizador análogo - polifónico - programable de seis voces, 32 memorias y conexión a cassette para el respaldo de sus programas. Esto quiere decir que, si bien es posible programar y guardar sonidos como en otros sintetizadores de su época; el Polysix, en virtud de la calidad sonora, mantuvo la generación de sonido análoga al voltaje.

En el Polysix la polifonía es lograda por osciladores independientes para cada voz, teniendo además la posibilidad de agregar un oscilador secundario o segunda voz al timbre, ya sea una o dos octavas por debajo de la nota original.
La sección de filtros tiene controles para la frecuencia de corte (cutoff), la resonancia y la envolvente de filtrado (gráfico en el tiempo). El control de envolvente (ADSR) tiene un cero central, dejando al usuario seleccionar una envolvente normal (+) o invertida (-). El VCA (amplificador de voltaje) puede funcionar desde la envolvente (control desde las teclas) o desde una señal de CV Gate (input de señal externa). Finalmente, el sonido mezclado de todas las voces se puede enviar a una sección de efectos, que ofrece tres alternativas de modulación. Todas estas configuraciones se pueden guardar en memorias digitales de usuario (32), y respaldadas en una unidad de cinta externa.

La característica análoga / digital del Polysix le daba ventajas timbrísticas, pero acarreó serios problemas. Por ejemplo, hoy las baterías internas que permitían guardar memorias ya están vencidas, por lo tanto no es posible recuperar los timbres del sintetizador y además si no fueron reemplazadas a tiempo, la corrosión dañó los circuítos.

Hoy la versión virtual del Polysix, contenida en la edición análoga de Korg Legacy, nos trae de regreso lo mejor de este sintetizador: su sonido.

Usuarios del Korg Polysix:
Vangelis, Europe, Polysixs, Jean Michel Jarre, etc.

Videos

Korg... Mr. Katoh y su emblemático MS-20

Los socios Tsutomu Katoh y Tadashi Osanai fundaron el Laboratorio Electrónico KEIO en el año 1962 en Japón.

Cuenta la historia que antes de iniciar la compañía, Katoh dirigía un nightclub en el cual Osanai trabajaba como acordeonista acompañándose por una máquina de ritmos Wurlitzer Sideman. Insatisfecho con este instrumento, Osanai convenció a Katoh para que financiara su proyecto de construcción de una máquina mejor. Fue así como el primer producto de la compañía, lanzado en 1963, correspondió a un dispositivo electromecánico de ritmos llamado Donca Matic DA-20 (Disc Rotary Electric Auto Rhythm Machine). Gracias al éxito de la DA-20, KEIO lanzó una versión de estado sólido (transistorizada) de la máquina de ritmos, la Donca Matic DE-20, en 1966.

En 1967 el ingeniero Fumio Mieda propuso a Katoh la idea de fabricar teclados; este, impresionado por su entusiasmo, le pidió que construyera un instrumento prototipo. Es así que 18 meses después Mieda apareció con un órgano programable.
El laboratorio KEIO fabricó y vendió este órgano bajo el nombre de Korgue (nombre combinado de KEIO y Organ).

Los órganos KEIO fueron exitosos entre fines de los años 60 y principios de los 70, pero debido a la competencia con los fabricantes de grandes órganos (ej. Hammond) Katoh decidió utilizar la tecnología del Korgue para construir sintetizadores.

El primer sintetizador de KEIO, el MiniKorg, fue lanzado en 1973.
Siguiendo el éxito del MiniKorg, se lanzaron varios sintetizadores durante los años 70 y los 80 con el nombre de KORG.

MS-20
El KORG MS-20 es un sintetizador análogo, que fue lanzado en 1978. Formaba parte de la serie MS, que también incluía el pequeño sintetizador MS-10, el módulo sin teclado MS-50, y el secuenciador SQ-10. Otros dispositivos adicionales eran el pedal de control MS-01, la interfaz de conexiones MS-02, el procesador de señal MS-03, el pedal de modulación MS-04 y el vocoder VC-10.

El MS-20 es monofónico (sólo puede tocar melodías) y aunque posee una arquitectura de síntesis substractiva convencional (osciladores/ filtro/ amplificador), fue diseñado con características de flexibilidad notables: Su generador de sonidos (VCO) cuenta con dos osciladores, ambos incluyen las formas de onda básicas, además de un “ring modulator” en uno de ellos que permite dar una textura mas compleja al timbre resultante. Sus filtros (VCF) low-pass y high-pass conectados en serie, permiten un mejor control para la respuesta de frecuencia sonora. Su panel de conexiones permite elegir algunas rutas de audio y modulación, incluyendo proceso de señal externa. Esta capacidad de procesar audio fue tan famosa como los sonidos que se podían lograr con el sintetizador.

Todos estos atributos hicieron que el KORG MS-20 volviera a surgir a fines de los años 90 durante el renacimiento de los equipos análogos.

En el año 2004, KORG lanza la versión software del sintetizador MS-20 dentro de la colección KORG LEGACY, que también incluye los modelos Polysix y Wavestation.

Usuarios del MS-20:
Vince Clarke, OMD, A Flock of Seagulls, Air, Aphex Twin, Shapeshifter, ‘Da Skoda’s’, The Dandy Warhols, etc.

Videos

MS-20, Test Nº 1

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MS-20, Test Nº 2

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OMD (1980)

MS-20 en su ambiente natural

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The Dandy Warhols (2003)
MS-20, pieza central de un interesante set de teclados

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AIR (2004)
texturas de MS-20

YAMAHA DX7... el hito.

El Yamaha DX7 es un sintetizador digital fabricado entre 1983 y 1986.
Hablar de él es adentrarnos en la síntesis FM. Previo al DX7, la creación de sonidos a partir de frecuencias moduladas era privilegio de sistemas costosos de producción musical, ya que corresponde a un complejo algoritmo matemático que sólo los sistemas digitales podían manejar. Este tipo de síntesis permitió lograr timbres de gran flexibilidad, realismo y precisión, mejorando notablemente los resultados de los sintetizadores análogos de síntesis sustractiva que reinaban a principios de los años 80.

El Yamaha DX7 era el modelo de precio moderado de la serie DX que incluía los pequeños DX9, DX100, y los modelos más grandes como el DX5 y el DX1; algunas de sus características son la monotimbralidad (acceso a sólo un sonido a la vez), polifonía de 16 notas, 32 programas de memoria y teclado de 61 teclas con sensibilidad al velocity (intensidad) y al aftertouch (velocidad de salida del dedo). Incluye los puertos MIDI, pero como fue lanzado un poco antes de que el sistema fuese terminado, no soporta por completo el standard; sin embargo, interconecta con la mayoría de los equipos MIDI.
Varios modelos mejorados fueron lanzados en los años siguientes, el más notable es el DX7IID que mejoró la calidad de sonido y ofrecía bi-timbralidad (2 sonidos simultáneos).

El DX7 fue el primer sintetizador digital exitoso comercialmente (160 mil unidades vendidas), sus sonidos fueron incluidos en muchas grabaciones. Por ejemplo, su versión cristalina del piano eléctrico se transformó en un clásico de nuestros tiempos y sus campanas, clavinet y bajos son un referente para toda la música producida a partir de 1983. Esto hace que el DX7 siga siendo muy popular hasta nuestros días y motivó a que la compañía Native Instruments desarrollara la versión software llamada FM7 (2001-2006), emulando digitalmente el circuito del DX7 de tal manera que se pueden cargar los programas del teclado original.

Usuarios del Yamaha DX7:
A-Ha, Andrés Calamaro, James Brown Band, Ray Charles, Charly García, The Cure, Deep Purple, Depeche Mode, Fito Páez, George Duke, Brian Eno, Enya, Genesis, Harold Faltermeyer (Axel F), Herbie Handcock, James Ingram, Jan Hammer (Miami Vice), Michael Jackson, Al Jarreau, Kitaro, Kraftwerk, Level 42, NIN, Queen, The Smiths, Talking Heads, Toto, U2, Underworld, Eddie Van Halen, Vangelis, Stevie Wonder, Fleetwood Mac, Witney Houston, Howard Jones, etc.

Videos

Toto - "I'll Be Over You"
un clásico del DX7


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Charly García al DX7
"El karma de vivir al sur"


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Queen grabando "One Vision"
Brian May toca la intro en un DX7


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Al igual que muchos músicos,
en los 80's Level 42 cambió el Rhodes por un DX7

YAMAHA ... llegaron los japoneses

En 1887 Torakusu Yamaha fundó la compañía Nippon Gakki Co. Ltd. Inicialmente la empresa fue creada para la fabricación de pianos y órganos de viento, expandiéndose con el correr de los años a una mayor variedad de productos y servicios; sin embargo la naturaleza musical de sus orígenes quedó plasmada hasta nuestros días en los tres diapasones de su logotipo.
En materia de sintetizadores, Yamaha nos ha brindado máquinas notables entre las que destacan el adelantadísimo análogo CS80 y el hoy clásico digital DX7 (próximo post). Este camino en el desarrollo de instrumentos electrónicos se vio fortalecido en 1988 cuando Yamaha adquirió la empresa Sequential Circuits, creadores del sistema MIDI y de los sintetizadores Prophet; la experiencia y tecnología punta de Sequential Circuits sirvió de base para los modelos actuales de Yamaha.
Entre los años 1989 y 1993 Yamaha fue dueña de una parte significativa de su competidor Korg y en el 2004 adquirió la compañía Steinberg, líderes en el campo de los softwares de producción musical.
Hoy Yamaha Corporation es conocida como fabricante de motocicletas, motores, equipos audiovisuales, suministros computacionales y una gran variedad de instrumentos musicales acústicos y electrónicos.

CS-80
El CS-80 es un sintetizador análogo polifónico creado por Yamaha en 1976.

Características principales:

• Polifonía de 8 voces, con 2 osciladores por voz.
• Almacenamiento de sonidos en memoria; 22 preset (memorias) de fábrica y 6 de usuario a través de micro potenciómetros (tecnología anterior a los presets digitales que usaría el Prophet-5 más adelante).
• Teclado de 61 teclas divisible en zonas.
• Teclas sensibles en forma independiente a la intensidad y a la presión; característica que los demás teclados demorarían años en poseer.
• Controlador de cinta que permitía variaciones de tono y ligados polifónicos.

Para apreciar las características de timbre y expresión del CS-80 sólo basta escuchar la banda sonora de Vangelis para la película Blade Runner , en ella la mayor parte de los sonidos fueron creados con este sintetizador.

Además, el CS-80 es conocido por su difícil mantenimiento y por ser uno de los sintetizadores análogos autónomos más pesados (sobre 91 kilogramos).
Su fabricación cesó en 1980 y fue descontinuado de catálogo, los CS-80 que siguen operativos pertenecen sobre todo a estudios y coleccionistas que desean preservar esta gran máquina.

En el 2003, la compañía francesa Arturia creó la versión soft synth llamada CS-80 V.

Usuarios del CS-80:
Vangelis, Stevie Wonder, David Bowie, Peter Gabriel (So), Kate Bush, Brian Eno (Before and After Science), Eddie Jobson, Electric Light Orchestra, 10cc, Jean Michel Jarre, Isao Tomita. Coldplay usó el CS-80 para muchas canciones de su álbum X & Y.

Videos

Historia del CS-80


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Vangelis nos muestra el CS80


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Electric Light Orchestra
Richard Tandy tocando el CS80 en el video de la canción Confusion

PROPHET 5, el profeta.

El Prophet-5 es un sintetizador análogo fabricado por Sequential Circuits en San José, California entre los años 1977 y 1984.

Su aparición marcó varios hitos; es uno de los primeros sintetizadores análogos que incorporó memorias para guardar los ajustes de cada parámetro del panel frontal y almacenarlos en forma interna, es también uno de los primeros sintetizadores polifónicos con un máximo de 5 voces (hasta 5 notas podían sonar al mismo tiempo), además lo destacaban sus capacidades de modulación gracias a comandos que permitían lograr sonidos más complejos e interesantes.

Estas características hicieron que el Prophet 5 fuese utilizado extensamente por los músicos y que por ello se convirtiera en uno de los sintetizadores más importantes de la historia de la música popular, marcando la sonoridad de varios estilos en su época.

El Prophet 5 no fue el único sintetizador de la empresa Sequential Circuits, pero si el más importante.
En 1982 Sequential Circuits lanzó el Prophet 600, el primer sintetizador MIDI (Interface Digital para Instrumentos Musicales); a partir de 1983 el protocolo de comunicación MIDI comenzaría a ser implementado en los sintetizadores de todas las compañías.
En 1987 Sequential Circuits fue vendida a Yamaha Corp., empresa que continuó con el desarrollo de los instrumentos musicales electrónicos.

Hoy los sonidos del Prophet 5 son recreados por la mayoría de los sintetizadores digitales. La tecnología de los Soft Synth (sintetizadores emulados por software) nos ha presentado varias versiones del Prophet 5, siendo las más famosas el Pro53 y Pro54 de Native Instruments, y el Prophet V de Arturia.

Usuarios de Prophet 5
Japan, Kraftwerk, Public Image Ltd., Duran Duran, No Doubt, Vince Clarke, Talking Heads, Peter Gabriel, Gary Numan, Thomas Dolby, New Order, The Prodigy, INXS, The Cars, Phil Collins, Soft Cell, Japan, David Bowie, Icehouse, Hall & Oates, Jean Michel Jarre, Sneaker Pimps, Steely Dan, Tony Banks, Kitaro, Level 42, Eurythmics, Pet Shop Boys, Men Without Hats en casi todos sus álbums. Una de las apariciones más recordadas es la canción "Bette Davis Eyes" de Kim Carnes.

Videos

Pequeño Demo del Prophet 5

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P.I.L. (Public Image Ltd.)
Punks con sintetizadores... el eslabón perdido..
origen e influencia de muchas cosas.

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Japan
si de influencias se trata...
he aqui el origen de la New Wave

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Men Without Hats
puro sonido Prophet 5

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2 videos de Level 42
No se distraigan con el bajista y presten atención
al noble set de teclados de Mike Lindup:
piano Rhodes, Minimoog y el distintivo Prophet-5.

Sintetizadores americanos 3ª parte: OBERHEIM

En 1973, cuando la música electrónica daba sus primeros pasos, Tom Oberheim comenzó a crear productos impresionantes: el DS-2, uno de los primeros secuenciadores musicales análogos que permitía “grabar” una pequeña secuencia de notas y el SEM, módulo de expansión para el sintetizador.

De la mano de Oberheim también aparecieron los primeros sintetizadores polifónicos disponibles en el comercio: los Oberheim de 2, 4, y 8 voces.

El sintetizador de 2 voces incluyó un secuenciador análogo para dos melodías, y las máquinas de 4 y 8 voces incluyeron un sistema de programación básico, capaz de “llamar” los ajustes de los sonidos (memorias).

Los modelos más importantes de Oberheim son: OB-1, OB-8, OB X, Matrix 6, Matrix 12 y Matrix 1000.

Usuarios de Oberheim:
Jean Michel Jarre, The Stranglers, Styx, Nena, Weather Report, Rush, Nine Inch Nails, Japan, Porcupine Tree, Stratovarius, Queen, Van Halen, Pink Floyd, Mike Oldfield, Lux Voltaire, Electric Light Orchestra, Supertramp, Pat Metheny Group, Radiohead, Prince, Faith No More, etc.

Videos

Van Halen - Jump
... un sonido del Oberheim OB-X,
hoy conocido como "el teclado de Jump"

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Jean Michel Jarre - Magnetic Fields
puro sonido Oberheim

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Styx - Too Much Time On My Hands
Oberheim y guitarras... unión consolidada

ARP, otro americano.

Alan Robert Pearlman comenzó en 1970 la fabricación de sus instrumentos.
ARP se convirtió en el competidor principal de Moog en el campo de los sintetizadores musicales. Esta competencia llegó al punto de crear dos tipos de instrumentistas: los intérpretes de MOOG y los intérpretes de ARP. La mayoría de los autores elegían entre estas dos marcas para lograr efectos específicos; ya que a pesar de poder lograr sonidos parecidos entre si, a la hora de una configuración compleja sus diferencias eran notables.

Aunque muchos músicos prefirieron el sonido de fácil configuración del Minimoog, los sintetizadores ARP eran más flexibles en términos de conexiones y capaces de lograr sonidos mucho más extremos.

Los modelos más importantes de ARP son el portátil ARP ODYSSEY (MK I, MK II y MK III), y el semi modular ARP 2600.

La empresa ARP desapareció en 1981. Sus instrumentos siguen siendo utilizados en la actualidad debido a su fuerza y versatilidad. En el 2005 la empresa francesa Arturia lanzó el ARP 2600V, versión software del ARP 2006.


ARP en el cine:
Un ARP 2500 fue utilizado en la película “Encuentros cercanos del tercer tipo” para crear los tonos con que se establecía la comunicación extraterrestre, así mismo un ARP 2600 fue usado para crear la voz de R2D2 en la película “Star Wars”.

Usuarios de ARP:
Pink Floyd, Styx, Alphaville, The Who, Stevie Wonder, Herbie Hancock, David Bowie, Chick Corea, Genesis, Ultravox, Jean Michel Jarre, Weather Report, Trent Reznor, Jean-Luc Ponty, Chemical Brothers, etc.

Videos

Stevie Wonder muestra su ARP 2600

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Herbie Hancock – Chameleon
Un clásico del sonido ARP

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Encuentra los sintetizadores ARP
en el set de teclados de Weather Report

Los sintetizadores del señor MOOG

Robert Moog (1934-2005) fue un inventor norteamericano a quien le debemos en gran medida la creación del sintetizador. Moog comenzó construyendo Theremins; mejorando su circuito, osciladores y filtros descubrió la manera de construir un instrumento musical electrónicamente estable; es por esto que sus sintetizadores fueron uno de los primeros instrumentos electrónicos utilizados masivamente.

Robert Moog creó en 1964 el primer sintetizador análogo substractivo* que utilizaba un teclado como controlador: el Moog Modular Synthesizer.

* La síntesis substractiva (creación de sonido a partir del filtrado de un oscilador básico) nunca había sido tan “sencilla” hasta entonces. Moog definió los módulos para este tipo de síntesis sonora: VCO (voltage controlled oscilator), VCF (voltage controlled filter), VCA (voltage controlled amplifier), Envolvente ADSR (ataque, decaimiento, sostenimiento y relajación) y LFO (low frequency oscilator); esquema que acompaña a los sintetizadores hasta hoy. Además fue el primero en incorporar además del teclado, ruedas para la modulación del LFO (vibrato) y el control del pitch bend (variación lineal de la nota musical).

Para crear un sonido era necesario conectar cables entre los distintos módulos del sintetizador y mover las perillas para modificar cada uno de los parámetros en forma manual; es así que en ocasiones tomaba horas configurar la máquina para crear un nuevo sonido.

Por aquel entonces, el Moog Modular no era considerado un instrumento musical, sino algo así como un sistema de audio profesional sofisticado orientado al estudio de grabación y que podía ser utilizado además para interpretar música; esto debido a la naturaleza atonal de la música electrónica de ese tiempo.

Con el crecimiento de la empresa Moog Music, Bob creó nuevos modelos: por ejemplo el Minimoog (versión pequeña del Moog), el Moog Taurus (pedal de sonidos bajos), el PolyMoog, etc.

En 1978 luego de perder su compañía debido al mal manejo, Moog fundó la compañía Big Briar, dedicada a fabricar instrumentos a pedido y cajas de efectos de sonido (Moogerfrooger).

A partir del 2002 retornó a la fabricación de sintetizadores, recuperó la compañía Moog Music y nos entregó en el 2003 la nueva versión del Minimoog: el MiniMoog Voyager, un híbrido entre osciladores, filtros análogos y memorias digitales.

En el 2003 la empresa francesa Arturia en conjunto con Moog Music lanzó el Moog Modular V, versión de software del Moog Modular. Luego en el año 2004 sería el turno del MiniMoog V. Ambas versiones mantienen el sonido clásico de los sintetizadores análogos de Moog gracias al avanzado sistema TAE (True Analog Emulation) que recrea en forma digital en el software la circuitería original de los instrumentos.

Moog en la música:
El primer álbum de música popular que utilizó un sintetizador Moog fue “Pisces, Aquarius, Capricorn, & Jones, Ltd” de The Monkees (1967).
Walter Carlos (hoy Wendy Carlos) lanzó los álbumes más importantes de Moog en 1968 y 1969: “Switched-On Bach” y “The Well-Tempered Synthesizer”. Carlos ganó 3 Grammys.
También en 1969, The Beatles utilizaron un Moog en el álbum Abbey Road (Because).
Genesis
Rush
Electric Light Orchestra
Yes
Pink Floyd
Emerson, Lake & Palmer
Isao Tomita
Jean-Michel Jarre
Charly García
Los Jaivas
Madonna
Jamiroquai
Pearl Jam
Maroon 5, etc.

Videos

Historia del Moog Modular
desde el modelo I hasta el virtual

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Crando un sonido en el Moog Modular

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El mismísimo Bob Moog
nos muestra el Minimoog

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Entrevista de televisión a Bob Moog

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Moog Taurus en acción

Más videos
Visita a Moog Music
parte 1: http://www.youtube.com/watch?v=57vzlFSBFEI
parte 2: http://www.youtube.com/watch?v=UpDqgmsynQQ
parte 3: http://www.youtube.com/watch?v=adRHS1GKnG4
parte 4: http://www.youtube.com/watch?v=jvaTPe2jf_w

El Mellotron ... ¿el qué?

Harry Chamberlin, norteamericano, ideó un instrumento musical a partir de la unión entre un grabador de cinta portátil y un órgano casero. Su teoría establecía que si se grababa en cinta el sonido de un instrumento musical verdadero, luego podría ser reproducido al accionar un teclado (mismo principio del sampler moderno).
La idea era “simple” – colocar un pequeño reproductor de cinta por debajo de cada tecla de modo que cuando una nota fuese tocada, sería reproducida. Bajo este concepto totalmente único nació el Chamberlin en 1946.
Sin embargo, el mecanismo de la cinta, tenía serios problemas de estabilidad y su porcentaje de averías era cercano al 40%.


Mellotron (1963)
Los hermanos Bradley tomaron en Inglaterra la idea de Chamberlin y crearon su propio instrumento: El Mellotron.

Mucho más estable que su antecesor; bajo cada tecla del Mellotron hay un sistema de reproducción independiente (rodillo, cabezal, etc) y un loop de cinta magnética (trozo que tiene unidos su principio y su final) que contiene grabaciones de 3 instrumentos seleccionables desde un interruptor rotatorio en el panel a la izquierda del teclado. Una de las combinaciones más populares era cuerdas, coro y flauta; además de una serie de ritmos de acompañamiento típicos de su época.

Una de las desventajas del Mellotron era su incapacidad de grabar los sonidos por si mismo, por lo que las cintas de recambio debían ser encargadas a pedido y la labor de instalarlas no era nada sencilla; otra de sus falencias era que cada vez que se transportaba había que calibrarlo, por lo que era necesario contar con un técnico experto en el instrumento.

Si bien es cierto el Mellotron fue creado para el mercado de la entretención (hogares, cabaret, etc), encontró muy buena acogida entre los músicos de rock, quienes a pesar de las limitaciones del instrumento, hicieron de su sonido inconfundible un pilar importante en el rock progresivo y sinfónico en los años 70’s.

El Mellotron en la música:
The Beatles – “Strawberry Fields Forever” (introducción de flautas)
The Zombies
The Moody Blues – “Nights in white satin”, etc.
The Kinks
The Rolling Stones
Genesis
King Crimson
Yes
Led Zeppelin - "Kashmir", "Stairway to Heaven" (versión en vivo), etc.
Charly García – Sui Géneris
Paul Weller
Radiohead
Beck
Oasis
Stereophonics
etc.

Videos

Antiguo spot promocional del Mellotron


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Paul McCartney nos presenta el Mellotron
y se divierte.

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Led Zeppelin
"Stairway To Heaven" en vivo


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The Moody Blues, Mellotron 100% en vivo.
2 videos: el clásico "Nights in white satin" y "Tuesday Afternoon"

Teclados Electromecánicos. 2ª parte

Hohner Clavinet
En los años 50 el músico e inventor Ernst Zacharias diseñó el “Cembalet”, un clavecín (instrumento clásico de cuerdas pellizcadas a través de un teclado) amplificado electrónicamente, similar a una guitarra eléctrica.

Originalmente el instrumento estaba dirigido al uso doméstico y la interpretación de música folclórica y clásica europea. De este modo y de la mano de la empresa alemana Hohner apareció en 1968 el Clavinet L, modelo que contaba con un cuerpo triangular de madera enchapada, patas de madera y teclas de colores opuestos al del cuerpo del instrumento. Le seguirían a lo largo de los años los modelos: I, II, C, D6, y E7.

La mayoría de los modelos tiene dos sistemas de cápsulas (micrófonos), los cuales se ubican por arriba y debajo de las cuerdas. El Clavinet tiene interruptores para seleccionar entre estos sistemas y un dispositivo de salida que permite conectarlo a un amplificador de guitarra.
Los primeros modelos del Clavinet sólo ofrecían cápsulas individuales, siendo el D6 el primero en introducir un diseño con seis cápsulas.

El modelo final E7 fue la culminación de varias mejoras de ingeniería para hacer que el instrumento permitiera un mejor uso en conciertos de música rock, donde había llegado a ser ampliamente utilizado.
No obstante el éxito alcanzado por el Clavinet y el hecho de que su peculiar sonido caracterizó una parte importante del funk y del rock, Hohner dejó de producirlo en 1982.

Si bien es cierto, hoy en día todos los sintetizadores nos ofrecen una versión del Clavinet, no es igual al sonido del original.

Ejemplos de Clavinet en la música:
Stevie Wonder - "Superstition" (El sonido prototípico del Clavinet)
Led Zeppelin - "Trampled Under Foot",
Emerson Lake and Palmer - "Tank"
Steely Dan - "Kid Charlemagne"
The Band - "Up on Cripple Creek" (Clavinet conectado a través de un pedal "wah-wah" de guitarra)

Gorillaz - "Dirty Harry"
etc.

Videos:

Stevie Wonder “Superstition”
El Clavinet más famoso del mundo.

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Led Zeppelin "Trampled Under Foot"
John Paul Jones al Clavinet

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Yamaha CP70
La búsqueda de un piano portátil ha existido desde la invención del Wurlitzer y el Rhodes. Claro está que ninguno de ellos suena realmente como un piano; tienen un sonido agradable parecido a uno, pero de ninguna manera reemplazan al instrumento acústico.
Muchas compañías se abocaron a esta tarea sin buenos resultados hasta que a mediados de los años setenta Yamaha lanzó el CP70 Electric Grand Piano, un instrumento cercano al piano “verdadero” que se podía mover y amplificar fácilmente.

En el CP el sonido se produce -igual que en un gran piano- por la acción mecánica de martillos que golpean cuerdas verdaderas. Yamaha desarrolló especialmente cuerdas más cortas que conservan un sonido acústico de piano.
Similar a los pianos acústicos que tienen tres cuerdas para cada una de las notas del registro medio y agudo y dos cuerdas para las notas bajas, el piano del CP utilizó dos cuerdas especialmente diseñadas para las notas medias y agudas y sólo una cuerda para las notas bajas. Esto redujo la tensión en el clavijero que no tuvo que ser tan grande o tan fuerte (o pesado) como en el gran piano. Como el sonido era amplificado electrónicamente, la caja del CP resultaba más liviana al no estar diseñada para la proyección acústica.

Hubo tres modelos: CP70 original (73 teclas), CP70B (con salidas de audio balanceadas), y el CP80 (88 teclas).

El CP no sólo fue un triunfo de la ingeniería industrial, también fue un triunfo de la ingeniería eléctrica, debido a sus cápsulas piezoeléctricas (micrófonos) que se encontraban en forma independiente debajo de cada cuerda. Este diseño eliminó cualquier posibilidad de “ruido externo” incluso a alto volumen.

Ejemplos de CP70 en la música:
Peter Gabriel
Simple Minds
Tony Banks (Genesis)
Abba
Keane
George Duke
Bruce Hornsby
U2
Charly García
Fito Páez
etc.

Videos:

Peter Gabriel
1987, en vivo. CP70 en el escenario.

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Abba

CP70 pintado de blanco.

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Charly García "Los dinosaurios"

CP70 por donde se le mire.

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Keane

CP70 para las nuevas generaciones.

Teclados Electromecánicos. 1era parte

Wurlitzer (1955)
En los años 30, el inventor Benjamin Miessner diseñó un piano acústico vertical que incorporaba un sistema de micrófonos para ser amplificado (similar a una guitarra eléctrica, que tiene micrófonos bajo sus cuerdas). En la década de los 50, la empresa Wurlitzer (la misma de la máquina de discos tragamonedas) utilizó este diseño de captación electrostático (micrófonos de gran sensibilidad), pero substituyó las cuerdas del piano por tubos de acero pulsados.

El Wurlitzer es el primer piano eléctrico de la historia, luego vendría el Rhodes; su gran competidor.

En 1955 comenzó la producción con el modelo EP-112 desarrollándose en el tiempo muchas mejoras hasta 1982 en que cesó la producción del EP-200A.

El timbre del piano Wurlitzer tiene una característica cálida y opaca, que en combinación al efecto de trémolo (vibrato) que incorporaban sus unidades, lo convirtieron en un instrumento con carácter único.Tendió a ser más popular en el Reino Unido que en otras partes del mundo donde favorecieron al Rhodes (especialmente en círculos jazzeros).

Ejemplos de Wurlitzer en la música:
Ray Charles - "What'd I Say"
The Carpenters - "Top Of the World", etc.
Supertramp - "The Logical Song", "Dreamer"
Queen - "You're My Best Friend"
Marvin Gaye - "I Heard It Through The Grapevine"
Pink Floyd - "Money"
Sheryl Crow - "The Book", "All I Wanna Do"
Beck - "Where It's At"
John Scofield - "Green Tea"
Tori Amos - "Tombigbee", "Pancake", "Strange Little Girl"
Boston - "My Destination"
etc.

Videos:

Supertramp "The Logical Song",
Roger Hodgson cantando y tocando su Wurlitzer.

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The Carpenters "Top of the World"
Peter Carpenter y el Wurlitzer que lo hizo famoso.

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Alicia Keys y su hit "Unbreakable",
piano Wurlitzer para una nueva generación.

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Fender Rhodes (1959)
El Rhodes es el piano eléctrico utilizado por la mayoría de los tecladistas.
Fué inventado por Harold Rhodes. Su idea era crear un piano portable para las fuerzas armadas americanas y al hacer eso, inadvertidamente nos dio uno de los sonidos de teclado más reconocibles y famosos: el Rhodes.

Más tarde, Leo Fender (el mismo de las guitarras y bajos eléctricos) compraría su compañía, de ahi el nombre que lo hiciera famoso: Fender Rhodes.

En vez de tener cuerdas que se hacen vibrar mediante martillos, como los pianos convencionales, el Rhodes posee mazos que golpean sobre unas barras de metal, lo cual lo hace mas parecido a un xilófono y le da un sonido metálico característico.

Tiene un pedal de "sustain", para alargar el sonido en el tiempo y una salida para conectarlo a un amplificador, lo que hizo que se empezara a hacer popular en la década de los años 60.

Existieron muchos modelos, la mayoría de las modificaciones en el tiempo procuraron hacer su sonido más brillante y cristalino; por ejemplo, la aparición del sintetizador Yamaha DX7 (futuro post) nos introdujo a otra variación en el sonido del Rhodes.
El uso del “sonido Rhodes” continúa hasta hoy y la mayoría de los sintetizadores traen su propia versión del piano eléctrico, pero no hay comparación con el original.




Ejemplos de Rhodes en la música:
Chick Corea
Herbie Hancock
Jan Hammer
The Doors, el sonido del bajo en la mayoría de sus canciones es un Rhodes Bass
Billy Joel – “Just the Way You Are”
Stevie Wonder –“You Are The Sunshine Of My Life"
Joe Zawinul de Weather Report
Jan Hammer de the Mahavishnu Orchestra
etc.

Videos:

"Just the way you are", Billy Joel en el 78;

con problemas técnicos y un poco loco.

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Chick Corea (el rey del Rhodes) y su clásico "Spain"

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Weather Report
Rhodes improvisando.

Órganos Combo ... los otros.

Cuando llegó la tecnología simple del transistor apareció una nueva casta de órganos de bajo presupuesto, compactos y portátiles: el Combo Organ.
Nunca significaron una amenaza para los poderosos y únicos órganos Hammond, sino que lograron un carácter propio que vino a definir parte importante de la música surf , beatnik y sicodélica a partir de los años 60.

Existieron muchos fabricantes y modelos diferentes, he aquí los más relevantes:

Clavioline
Inventado en Francia en 1947 por Constant Martin, consistía en un pequeño teclado que servía de extensión a un piano acústico y que contaba con su propio amplificador (todo junto en una misma maleta). Se licenció a distintas fábricas y es así como por ejemplo existen los modelos Selmer (U.K.) y Gibson (U.S.A.), entre otros.

Muchos músicos utilizaron el Clavioline, por ejemplo: John Barry, The Beatles (Baby You're A Rich Man) y el grupo instrumental The Tornados en su hit "Telstar" de 1962.
En 1959 el músico Max Crook modificó su Clavioline, creando asi el Musitron; famoso por la canción Runaway del cantante Del Shannon.


Vox
Los órganos Vox son quizás los órganos a transistores más famosos en la historia de la música popular. La empresa Vox desde 1958 fabricó muchos modelos de órganos y tuvo sucursales en varios países.

Su modelo emblemático es el VOX CONTINENTAL (1962), el cual sobresalía al lado de sus competidores ya que sonaba realmente bien y también gracias a su diseño (cubierta naranja, teclas de colores invertidos y patas metálicas con forma de Z) que vino a renovar la imagen de los órganos y sirvió de inspiración para las demás marcas.
El Vox Continental es el sonido de The Doors. Ray Manzarek comenzó utilizándolo pero luego lo cambió por un Gibson G-101 debido a la fragilidad de sus teclas plásticas.

- Modelos destacados: Univox, Continental, Super Continental, Jaguar.
- Bandas: The Doors, The Animals, The Dave Clark Five, The Tornados y muchos otros.


Farfisa
La empresa italiana Farfisa era conocida como fabricante de acordeones, es así como sus órganos electrónicos provienen del “acordeón a transistores” creado en 1962. Mientras los Vox eran preferidos por los músicos, los Farfisa estaban principalmente en los hogares y en los salones de baile.

- Modelos destacados: Compact, Professional, VIP
- Bandas: The Monkees, The Beach Boys, The B-52s, Los Pettinellis.


Lowrey / Gibson / Kalamazoo
Lowrey es la fábrica europea que a partir de 1967 construyó los órganos para que la empresa norteamericana Gibson entrara al mercado de los órganos portátiles. El primer modelo G-101 originalmente fue conocido como Kalamazoo K101, luego sería simplemente Gibson G-101 (igual al Lowrey T-1).
Es así como entre Lowrey y Gibson la diferencia es únicamente la marca, porque los instrumentos eran iguales.
Su sonido era similar a un Vox, pero podía lograr además un gran sustain (sostenimiento) y sonidos más suaves.

- Modelos destacados: Gibson G-101 (Kalamazoo K101, Lowrey T-1), Gibson G-201 (Lowrey T-2).
- Bandas: The Beatles (Lucy in the sky with diamonds), The Doors.

Videos

Del Sannon y el hit de 1965 "Runaway".
Escucha el solo de Musitron (Clavioline modificado)

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"Light my fire" de The Doors
Vox Continental y Piano Rhodes (en próximo post)

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The Animals y su clásico de 1964 "House of the Rising Sun"
Vox Continental en acción

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Órgano Farfisa Professional Duo

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The Doors
Ray Manzareck y su Gibson G101

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The Beatles "Lucy in the sky with diamonds"
Introducción y acompañamiento con órgano Lowrey